作为中国画创作的重镇，杭州中国美院，因培养了多位中国画大家而声名远播。很多人都想探究美院中国画的教学“套路”，这确实有说法，“套路”不是没有，“套路”就是中国画的起手范式，“套路”你都不懂，还谈什么“创新”与“发展”？而这个“套路”的核心，就是“课徒”。

　　所谓“课徒”，一般指先生们绘制的草稿小品，在表面上是对成法的分解，着力在绘画的程式分解上，把繁富的画面还原成学徒们易于上手的浅近功夫。写生，造相，造境，看似浅近，其背后却蕴含着对画道的释义。

　　以山水画专业为例，一年级画树、石为基础，加之宋人小品。树、石以顾坤伯、陆俨少的课徒稿作为临摹的范本，宋人小品以宋人团扇、册页为主。二、三年级坚持宋进元出，四年级就可以将明清这块作为自选临本。

　　所以，中国美院院长许江在《画道里的课徒》说：“能课徒者，古来都是些‘画中老道’。”

　　顾坤伯先生、潘韵先生、陆俨少先生曾倾力绘制了大量山水画课徒稿，可以让学生在较短时间里了解和掌握传统的要领，为以后临摹传统山水画辟出了一条捷径，打下了良好的基础。这些基础教材被当作后来学生入学的基础和必修课而一直沿用至今。

　　于是，中国美院“大学望境”特展“天地绘心”现场，就有了这样一场特殊的导览，美院中国画系的四位导师顾迎庆、陈磊、刘海勇、花俊，分别就人、山、花、综合，为大家作了一场精彩讲解。

　　顾迎庆：

　　中国画人物非常讲究写生。我的这张意笔线描就是在课徒课上现场做的一次示范教学，画了一个研究生，勾勒的过程，学生边看边领会，人物画写生的敏感和经验就从这里来。从鼻子开始，画眉毛、眼睛，再到整体，示范能让你清楚看到笔墨运作的前后关系。

　　速写它与素描不一样，素描靠的是一定时期积累的基本功，但速写也许只有五分钟十分钟的时间给你，它能考察出一个人的天赋和灵气，快速捕捉对象的敏锐性。

　　我们的学生一开始也许需要用炭笔来勾描一下轮廓，渐渐地，他们就能和老师一样，一张宣纸放在那里，毛笔刷刷刷就可以直接并完整地画出来。

　　这是一种即兴，笔笔生发，不是框死的，充满既整体又有不确定性的兴奋感。

　　花俊：

　　作为一个画画的人，为什么要写生？写生是训练一种目光，观察能力，从而掌握对象的鲜活。我自己就是从附中、本科到研究生这么过来的，每一个阶段都有一个特殊要求。比如到博士阶段，通过写生必须创造自己的辨识度。

　　我不希望写生是对对象直接“咔擦”一下的模型，要有背后的动机。比如我把家中固体的废弃物拿出来，一天画一张，十天过去了，就是十张，或者是一个长卷，那它们的背后是什么？就是时间。时间感就在这些写生作品中流淌出来。所以我建议写生不要当成简单的对象摹写。

　　陈磊：

　　课徒稿是非常严肃非常科学的，不能有任何副作用。比如我们初学，可以选择顾坤伯先生的课徒稿，他不带自己的偏见，把传统的精华集中起来，非常客观。

　　我们系里必备的还有沈周的，不要以为沈周是明四家之一，是个性画家。其实沈周是个学古非常有心得的人，他仿董巨、黄公望的作品非常精彩。

　　八大山人的画好不好，非常好，但能不能当课徒稿？不能。因为他太有个性，太主观。就好像学书法一般从颜、柳开始，不可能直接上怀素；一个孩子不能提前给他补人参，会补坏的。

　　笔墨是中国画的基因，很重要。图式可千变万化，但基因是不变的。

　　我们的技法教学上，有勾皴擦染点，但如果你作画的时候，我先勾，再皴，再擦，那太机械了。章法也有S形、Z字形，但只是模块而已。所谓构图不能这么来，靠的是平时的积累，收尽其锋，打草稿，随时带着小本子记录，少用照片。

　　我读书的时候，碰到童中焘老师的课徒课，看的是王蒙的《青卞隐居图》，我们看到当中一棵树中间有一笔很湿润的点，都以为那是湿笔点的，但童老师亲自给我们示范了一下，原来是干笔慢慢慢慢地点下去的，干笔画出滋润的效果。示范很重要，是一种手势，手势对了，两三笔就解决问题，手势错了，怎么都不对味。

　　再说到山水画的表现空间。很多手卷里出现桥的频率特别多。桥，有一种象征意义在。我们的空间展示是通过一条蹊径让你往里走，将空间一层层展示出来。桥就是一个引子，引导你从这里进入。在华北山川是从外往里走，在江南水乡则是从右往左走，通过河流，有船有桥。

　　大家可注意一下山水画中往往有一处建筑，山有几千里，可居的只有几里，你走走走，最后有一处让你可居住下来，为什么要居住，求的是一个“安”字，安居则安心。我们的中国画是让你走进去，而非把你硬拉进来，非看不可。我们是坦然的，从容的，所谓“卧游”，讲“静穆之气”，比的不是宏大与强烈的视觉冲击。

　　刘海勇：

　　课徒的教学特点是从传统的师傅带徒弟这个形式过来的。绘画毕竟有一个技术的要求，是一门手艺活，我们现在提倡哲匠精神。这就涉及到手把手地教学生们去画，从技术入手，从艺术规律入手，所以我们会通过课徒来首先完成技术与规律的教学。

　　比如《芥子园画谱》，是非常好的传统课徒件，花与叶的组合关系，是从几百年来各个流派的画法中整理出来的。但是你如果完全按照它来画，又会非常刻板。这其中你需要演习更多的画法，融入自己的想法。

　　比如画竹子，同是扬州八怪，郑板桥爱画雨竹，李方膺则喜欢画风竹，为了表现狂风中的竹子，他从草书中汲取灵感，笔横着来，一波三折，甚至四折，他说“画史从来不画风,我于难处夺天工。”另一位金农则偏爱疙瘩竹，他画的竹叶像鸡毛掸子一样伸开来。你如果在下雨天去看一下竹林，就可以发现雨水将竹叶粘连在一起，但竹叶尖就是这样落在外面。

　　再说到潘天寿的竹子，非常硬气，不要说羊毫，连狼毫也满足不了他，他用的是更硬的山马笔，表现出刚硬的线条，最后索性用指墨了。但他画的始终是竹子，不可能变形到叶子像兰花一样长。

　　可见，艺术既来自于传承的规律，对物象的观察，又来自于自己生活的体验。掌握了规律，你可千变万化。